90年代の音楽シーンを作り上げてきた名盤復刻シリーズ「standard of 90's」を語る。再び登場するのは、オリジナル・ラヴの田島貴男である。91年のデビューから現在に至るまで、1作ごとに驚くべき革新を遂げてきたその創作の原点とも言える初期の作品の再リリースに、彼は何を思うのか？　クールな理性と生々しい野性とがギリギリのところでせめぎあう、スリルと快楽にあふれたその音楽はどうやって生まれてきたのか？　今回はその「前編」として、再リリースされる6枚の作品の「自己解説」を試みてもらった。

対話＿宮本英夫　撮影＿ロックンロールニュース編集部

——前回ここに登場してもらった山崎二郎さんによると、今回の再リリースは「マスタリングですごく良くなって、すごく低音がバシッと出て、（田島さんも）やってよかったね」、という話になったそうですね。

田島　最近はなくなってきましたけど、当時は洋楽と邦楽との間に音の質感の差があって、もちろん演奏力の問題でもあるんだけど、マスタリングの違いってあるんだなって今はわかるんですね。たとえば70年代のロックとか、ビートルズの時代のトータル・コンプレッサーのかけ方とか、やっぱり僕の好きな洋楽アルバムにはこだわりがあったんだなということが今になるとわかる。バーニー・グランドマンのスタジオに行った時に、ジョン・レノンの『ダブル・ファンタジー』とかをマスタリングしたグレッグ・カルビに会って、ジョンのメモを見せてもらったんですよ。そこにけっこう細かい指示が書いてあって、“もっとパンチのある音にしてほしい”とか“ベースをもっと出してくれ”とか。
　ジョン・レノンってマスタリングの音質にまでこだわるんだな、やっぱりプロデューサーなんだなっていうことがわかって、マスタリングまで立ち会わないとなって思った。やっぱりすごいエンジニアはテクニックが違うんでね。今回のリマスタリングは小鉄徹さんで、小鉄さんは山下達郎さんとかをずっとやってるし、最近はヒップホップとかの人もやってるみたいだけども。僕の作ってきた音楽というのは、デジタル的というよりもアナログ的なもので、よくよく考えると、当時から小鉄さんにマスタリングしてもらいたかったですね、その時に小鉄さんを知っていれば。そう思うところがあって、今回はミックスとマスタリングとを含めたトータルなサウンドの完成度として、一本筋が通ったなというふうに思いますね。アナログのおいしいところを形にできてるんじゃないかなと思います。

——あらためて、初期の6作品を聴き直してみてどうですか。

田島　ファースト、セカンド、サードぐらいまでは、恥ずかしくて聴くに堪えないという感じなんだけど、『風の歌を聴け』ぐらいからはそうでもなくて、今聴いてもいいなと思うんですよね。バァフアウトのインタビューでも言ってるんだけど、ファーストとセカンドぐらいまでは習作だと思ってます。　

——では1作ごとにコメントをいただきたいんですけども、まずは『LOVE!LOVE!&LOVE!』から。

田島　ファースト・アルバムというのは、どんなアーティストも言うらしいんだけど、あんまり納得いってないよね。何が何だかわかんないうちに終わっちゃったというか、自分が思い描いていたファースト・アルバムのイメージからはだいぶかけ離れたものでした…今だから言いますけど。当時はそういうことは言えなかったですけど(笑）。デビュー前のオリジナル・ラヴとはだいぶ違うムードのアルバムなんですね。バンド編成もほとんど代わっちゃって、背の高いメンバーが集まったという。その前は僕の友達でやってたんだけども。だからどうだということを言ってもしょうがないんだけど、自分の印象としてはそうでしたね。まず鍵盤を入れるアレンジというのが、当時の僕にはまったく発想がなかったんですよ。でも音圧がないから入れたいと思って入れたんだけど、そういうアレンジがヘタだなと。あとは、現場に歌のディレクションをするディレクターが一人もいなくて、メジャーで出しましたけど、状況としては完全にインディー盤みたいな感じでした。実際にディレクションをしたのは全部僕で、歌入れの時も誰もいない。エンジニアの人と二人だけ。鍵盤のアレンジの時には（キハラ）龍太郎さんがそばにいましたけど、基本的には僕一人で、ディレクターの方も新人だったので何もわからない。だから、どういう歌を歌っているんだか自分でわからない。エンジニア相手に歌ってるんで、わかんなくて、どうなのかな？っていう感じでしたね。現場では。

——楽曲的にはどうですか。

田島　曲はね、ベスト盤みたいなイメージなんです。それ以前までのインディーズの、すごい大雑把なベスト盤。それまで５年ぐらい活動してたんで、その中でやった曲のベスト盤。曲の選びも、みんなの投票制だったんですよ。僕の意見はほとんど通ってないんじゃないかな。みんな“この曲がいい。あの曲がいい。田島は黙ってろ”みたいな。そんな感じだった。そりゃないんじゃないか？ということはもちろん言いましたけど、わりとみんなの意見を通してる感じでしたね。みんな僕より年上の人たちで、バンドということで売り出そうというふうにしてたんで、ということはみんなの意見も入れようということになって、それ以前まで持っていたオリジナル・ラヴの個性的なカラーはだいぶなくなっていました。ファーストはそういう印象ですね。不完全で未完成なアルバムだなぁと。ただね、いろいろもてはやしてくれたんでね、新しい新しいって。自分が知らない間に、周りが盛り上がっちゃってるなぁという気がしてましたね。

−−そして、次がいよいよ『風の歌を聴け』になります。

田島　これは今でも胸を張って聴いてほしいなと思えるアルバムですね。サウンド・プロダクションがいいし、グルーヴがあるアルバムだと思うんですよ。そこを聴いてほしいな。全員日本人のメンバーで、こういう太いグルーヴが出せてすごくうれしかった。その前にメンバー・チェンジをしたんだけど、佐野っち（佐野康夫/Dr）と小松（秀行/B）の二人が入ったことは僕にとってすごく大きかったですよね。二人と最初に自分の曲を合わせた時の感動がすごく大きくてね、新しいアルバムのアイディアがたくさん出てきちゃって。それ以前までは頭の中ではグルーヴが鳴ってるんだけど、出てくる音が違う！ っていう感じだったんだけど、佐野っちと小松と一緒にやった時に“これだ！”っていう感じだったんですね。そうすると“The Rover”みたいな曲も書けるわけですよ。それ以前だったら、“The Rover”みたいな曲はイメージでできるけど現実的には無理だなっていう感じだったんですよね。でもこれだったら行ける！ということになって、アイディアがたくさん出てきて、それを存分にやったのが『風の歌を聴け』ですね。すごい短期間で作ったんですよ。曲作りに1か月で、レコーディングも1か月。

——すごいペースですね。

田島　リズム録りがもう楽しいわけですよ。音楽の演奏ってすごいな、と思い始めた時期ですね。プレイバックを聴くと“やったね！”っていう感でさ。その前までは、はいリズム録りができました、こんな感じだねっていって、これをアレンジでどうやっていい方向に持っていこうか？　ダビングして、っていう考え方だったんですよ。でも『風の歌を聴け』ぐらいから、もうダビングしたくなくなってくるんですよ。リズム隊がカッコいいから。デモの時にダビングの楽器が入ってるからやっぱりちょっと入れようか、でもスリルがなくなっていくねとか言って、どんどん引いていく方向になりましたね。あとね、『風の歌を聴け』ぐらいから、最初からホーンと弦のアレンジを作ってた。プライベート・スタジオでマルチのテープに最初から管と弦のサンプラーやシンセ音源で作っておいて、レコーディングの最初の日にそれを流し込む。メンバーはそれを聴きながら演奏するから、アレンジされた状態でプレイしてるから無理がないんですよね。あとは、それを生の楽器に変えていくだけ。

——この６枚は、田島さんにとって「土台」という感じですか？。

田島　土台、なのかな——？

——この時期をひとことで言い表すとすると？

田島　う〜ん——初期。ハッハッハッハッ(笑)。

——それはその通りです(笑)。

田島　まぁ未完成な時期で、『風の歌を聴け』でやっと形ができたなという感じですね。『風の歌を聴け』が僕の最終的な完成かといったらそんなことはないんですけど、ミュージシャンとしては、ここから始まったのかなと思います。